SHA REZA PAHLEVI


Mohammad Reza Pahlaví llamado asimismo Reza Jan o Reza Savad-Koohi (Rezâ Pahlavi; 16 marzo 1878 - 26  julio 1944), nombrado Su Majestad Imperial, fue Sah de Persia desde el 15 diciembre 1925/35, momento en que cambió el nombre de su nación por Irán, y Sah de Irán desde 1935/41. Fue el primer monarca de la dinastía Pahlaví, y un gran propulsor de la modernización de su país.
Durante la Segunda Guerra Mundial, sus posturas favorables hacia la Alemania nazi fueron causa de honda preocupación en el Reino Unido y la Unión Soviética, quienes, finalmente, invadieron el país. Murió en el exilio en la Unión Sudafricana en la ciudad de Johannesburgo. Su hijo  heredero,  Mohammad Reza Pahleví fue proclamado  Sah de Irán  después de su abdicación.

Reza Savad Koohi nació en 1878, hijo de un oficial del ejér-cito persa. Huérfano de padre a los diez años, fue criado por un tío suyo por parte paterna, decidiendo en su adolescencia seguir la carrera militar al igual que su progenitor. Tras una distinguida actuación como oficial desde 1910, destacó en las  fuerzas armadas persas como opositor al caos generado por la Primera Guerra Mundial en suelo de Persia. Durante dicha contienda, tropas del Imperio otomano, del Imperio británico, y del Imperio ruso, se desplazaron abiertamente por territorio persa durante sus campañas, ante la impotencia del gobierno local para impedir que su suelo fuera empleado como campo de batalla por potencias extranjeras. Después que en 1917 las fuerzas británicas lograran triunfos decisivos en sus campañas contra los otomanos, el peligro no cesó pues el gobierno de Gran Bretaña planeó usar sus bases en Persia como punto de partida para campañas contra los bolcheviques rusos, lo cual generó una gran indignación entre los jefes militares persas. Para esa fecha Reza Savad Koohi, con el nombre de Reza Jan, era general de un cuerpo de caballería formado según el modelo de los cosacos rusos, y trató que el gobierno del rey  Ahmad Shah Qayar retomara el control de la situación, pero sin éxito. (Sigue leyendo...)



MATA SALAMAT - BEGUM AGA KHAN lll


La Begum Om Habibeh Aga Khan La Begum Om Habibeh Aga Khan (15 de febrero de 1906 - 1 de julio de 2000), naci-da Yvonne Blanche Labrousse en la ciudad de Sète,  Francia, fue la cuarta y última esposa de Sir Sultán  Muhammad  Shah, Aga Khan III. La pareja se casó trece meses después de que el Aga Khan y su tercera esposa, se divorciaran por mutuo consentimiento.1​ La Begum fue bien conocida por su generosidad y la compasión por los empobrecidos y los ancianos.

Su primer nombre Yvonne era en muchas ocasiones escrito como Yvette.  Su fundación egipcia Om Habibeh, ha trabaja-do para aliviar la pobreza y mejorar la calidad de vida en el área de Asuán, Egipto y en su villa francesa Le Cannet  estableció un asilo de ancianos. Estuvo particularmente inte-resada en cuestiones relacionadas con la mujer, las dotes artísticas, la escultura y también la música clásica, el ballet clásico y la ópera. La Begum murió en Le Cannet, a la edad de 94 años y fue sepultada en el mausoleo de su marido en Asuán. Yvette Labrousse fue la hija de un conductor de tranvía, Adrien Labrousse y de Marie Brouet, una costurera. Su familia se trasladó de Sète a Cannes y más tarde a Lyon, donde Yvette pasó la mayor parte de su infancia. En 1929, a la edad de veinticuatro años, fue corona-da Miss Lyon y un año más tarde Miss Francia. Como reina de belleza y representante de Francia, realizó viajes a muchos países del mundo, de todos los lugares conocidos; sintió una particular fascinación por Egipto y a finales de los años 1930, se muda a El Cairo y adopta la fe islámica

Yvette Labrousse conoció al Aga Khan III en Egipto y la pareja contrajo matrimonio el 9 de octubre de 1944 en Suiza. De acuerdo con una entrevista que concedió a un periodista egipcio, su primer nombre era Yvonne, aunque siempre se refirieron a ella como Yvette en la mayoría de las referencias publicadas, trabajaba de secretaria del Aga Khan en el momento de su matr-imonio. La nueva Begum asumió el nombre de Om Habibeh, «pequeña madre del amado» (como una de las mujeres del Profeta Mahoma).​ Su marido la apodaba cariñosamente  «Yaky», acrónimo de las iniciales de «Yvonne», «Aga» y «Khan». La Begum diseñó su villa en Le Cannet, cerca de Cannes, llamándola «Yakymour», combinando su apodo «Yaky» y   «amour»​ Tal como lo muestran estos detalles, se trató de una pareja muy unida, dispensán-dose  siempre un trato cariñoso. (Sigue leyendo...)

DON JUAN DE BORBÓN - CONDE BARCELONA

Ioannes III, comes Barcinonae «Juan III, conde de Barcelona» 

Juan de Borbón y Battenberg (Real Sitio de San Ildefonso, 20 de junio de 1913-Pamplona, 1 de abril de 1993) fue jefe de la casa real española entre 1941 y 1977 y, como tal, pre-tendiente legítimo a la Corona de España. Conocido habi-tualmente como don Juan de Borbón o como el conde de Barcelona, por su título de señalamiento, de haber rei-nado lo habría hecho como «Juan III». A pesar de no haber sido rey efectivo, su sepulcro se encuentra en el  Panteón de Reyes del Monasterio de El Escorial e incluye la siguiente inscripción latina: 

Ioannes III, comes Barcinonae «Juan III, conde de Barcelona» 

Tercer hijo varón de Alfonso XIII y de Victoria Eugenia de Battenberg, en 1933 asumió los derechos dinásticos como heredero de su padre -en el exilio desde 1931- tras las renun-cias de sus hermanos mayores, el príncipe titular Alfonso, que incurrió en matrimonio morganático, y el  infante Jaime, afectado de sordera. Así, al renunciar su padre a la jefatura de la casa real en 1941, poco antes de su muerte, Juan de Borbón se convir-tió en legítimo heredero del trono de España. Como órgano consultivo contó desde 1946 hasta su disolución en 1969 con un Consejo Privado, al que se añadió un secretariado político con funciones ejecutivas, también disuelto en 1969.

La designación en julio de 1969 por parte de Francisco Franco de Juan Carlos -varón primo-génito de Juan de Borbón- como sucesor en la jefatura del Estado, alteró notablemente las relaciones hasta entonces mantenidas entre Juan de Borbón y Franco, así como realineó las relaciones entre padre e hijo, que pasaron a mantener posiciones políticas no coincidentes y a veces contrarias. En un discurso pronunciado en el Palacio de la Zarzuela el 14 de mayo de 1977,​ hizo renuncia de sus derechos dinásticos en favor de su hijo Juan Carlos, que ya había sido proclamado rey por las Cortes franquistas el 22 de noviembre de 1975, manteniendo para sí mismo la denominación de conde de Barcelona, intitulación de soberanía reservada a los monarcas españoles. (Sigue leyendo...)

BILLY WILDER


Billy Wilder y el funcionario cinéfilo que le permitió hacer ...
Samuel Wilder, más conocido como Billy Wilder (Sucha  Imperio austrohúngaro, 22  junio  1906-Hollywood, EEUU  27 marzo  2002), director de cine, guionista y   productor  estadounidense de origen austriaco judío, seis veces gana-dor del Premio Óscar (uno como productor, dos como mejor director y tres como mejor guionista). 
Maestro indiscutible de la comedia estadounidense de los años 1950 y 1960, Billy Wilder supo imponer un estilo moralista y cáustico. Invocó temas polémicos en sus pelícu-las de comedia e intentó desafiar la opinión general y el puritanismo anglosajón. Su talento no se limita a la comedia, también se destaca en el cine negro y las películas de época. 

Samuel Wilder  nació el 22 de junio de 1906​ en el seno de una familia judía polaca en Sucha Beskidzka, una pequeña ciudad que formaba parte del Imperio Austro-Húngaro. Sus padres eran Eugenia (apellido de soltera Dittler) y Max Wilder. Su nombre de "Billie" lo cogió de su madre (y que él cambió cuando llegó a los EE. UU.). Su hermano mayor, William Lee Wilder  (1904–1982), también fue guionista, productor y director. Sus padres regentaban un reputado restaurante en la estación ferrioviaria de Sucha. Intentó convencerlo de que se uniera al nego-cio familiar pero sin éxito. Poco después, la familia se traslada a Viena, donde Wilder fue al colegio. En su trascurso por la Universidad de Viena, Wilder se lanzó al periodismo. Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. En 1926, el líder de la banda de jazz Paul Whiteman estuvo de gira por Viena, cuando fue entrevisado por Wilder, fan de la banda.​ Whiteman le gustó al joven Wilder y le llevó con él a Berlín, donde Wilder hace contac-tos con gente del mundo del espectáculo. Allí antes de triunfar como escritor, trabajó como bailarín en Berlín.​ Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le impresionaron hondamente.

Después de escribir crónica negra y de deportes en diferentes diarios locales, se le ofreció trabajo regular en un tabloide berlinés. Pero él seguía interesado en el cine, así que empezó a trabajar como guionista para la Universum Film AG (UFA). Colaboró para directores ilustres del momento pero también para "novatos" que a la postre también serían importantes (como  Fred Zinnemann y Robert Siodmak) en su película Los hombres del domingo  (Menschen am Sonntag) de 1929. Escribió también el guion de la adaptación de 1931 de la novela de Erich Kästner, Emilio y los detectives. En 1932 Wilder colaboró con el escritor y guionista Felix Salten en el guion de "Scampolo". Tras la subida al poder de Adolf Hitler, Wilder se vio obligado a abandonar Berlín, debido a su ascendencia judía. Su madre moriría en los campos de concentración de Auschwitz. Estuvo en  París, donde hizo su debut como director con Mauvaise Graine (1934) y ese mismo año emigró a EEUU, junto al actor Peter Lorre.(Sigue leyendo...)

PONCIO PILATO

 «Lavarse las manos» 


Poncio Pilato -  también conocido en español como Poncio Pilatos - miembro del orden ecuestre y quinto   prefecto de la provincia romana de Judea, entre los años 26 y 36. Los evangelios canónicos lo presentan como responsable ejecutivo del   suplicio y   crucifixión  de Jesús de Nazaret, siendo este uno de los pocos episodios en los que se menciona a este personaje conocido también por autores judíos (FilónFlavio Josefo), romanos (Tácitoy un testimonio arqueológico epigráfico. En español su cognomen suele ser Pilatos, quizás por influencia de la forma griega; Πιλάτος o también reflejando el nominativo  latino Pilatus. Aun cuando Pilato puede considerarse la forma más correcta, Pilatos ha sido sancionado por el uso y, por ello, está reconocido por las Academias de la Lengua, las cuales la emplean en diversas entradas del Diccionario de la lengua españolaLos detalles de la biografía de Poncio Pilato antes y después de su nombramiento como prefecto de Judea y tras su participación en el proceso contra Jesús de Nazaret son desconocidos. Aunque varias fuentes textuales posteriores (los Annales de Tácito y los escritos de Flavio Josefo) lo mencionan como procurator (procurador) o como præses (gobernador), su denominación oficial fue la de praefectus que, según había ya sospechado O. Hirschfeld en 1905, era la que correspondía a tal cargo hasta la época de Claudio. Este dato quedó documentado sin duda tras el hallazgo en 1961, entre los restos del teatro de Cesarea, importante puerto antiguo entre Tel-Aviv y Haifa, de una inscripción fragmentaria oficial, en la que Pilato dedicaba o rehacía un Tiberieum o templo de culto al emperador Tiberio. Su texto​ se suele restituir de la siguiente forma:  (Sigue leyendo...)



DIEGO VELAZQUEZ

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, bautizado 6 junio 1599​-Madrid, 6 agosto 1660), conocido como Diego Velázquez, pintor barroco español  considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.
Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un estilo   naturalista   de iluminación   tenebrista, por influen-cia de   Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se trasla-dó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey y de su familia así como otros cuadros destinados a decorar las mansiones reales. 

 Su presencia en la corte le permitió estudiar la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua como la que se hacía en su tiempo, fueron influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. En su madurez, a partir de 1631, pintó de esta forma grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se hizo más esquemático y abocetado, alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este período se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las meninas y Las hilanderas.

Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850.​ Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con la época de los pintores impresionistas franceses, para los que fue un referente. Manet se sintió maravillado con su obra y le calificó como «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido». La parte fundamental de sus cuadros que integraban la colección real se conserva en el Museo del Prado en Madrid. (Sigue leyendo...)


ALFED HITCHCOCK

El cine no es un trozo de vida, sino un pedazo de pastel


Hay algo más importante que la lógica: la imaginación.
Hasta que el marido no entiende absolutamente, todas las palabras que su mujer, no ha dicho, no estará realmente casado.
Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa; debajo tiene una bomba a punto de estallar. 
-Él lo ignora, pero el público lo sabe. 
Esto es el suspense.


Alfred Joseph Hitchcock  CBE  (Leytonstone,  Londres, 13 agosto 1899-Bel Air, Los Ángeles, 29 abril 1980),​ conocido como  Alfred Hitchcock, directorde cine y productor  británico​ nacionalizado estadounidense. Fue pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense y el  thriller psicológico. Tras una exitosa carrera en el cine británico en películas mudas y en las primeras sonoras, que le llevó a ser considerado el mejor director de Inglaterra, Hitchcock se trasladó a Hollywood en 1939. A lo largo de  una carrera que duró más de medio siglo, Hitchcock configuró un estilo cinemato-gráfico distintivo y muy reconocible.​ Fue innovador en el uso de la cámara para imitar la mirada de una persona, obligando de esta manera a los espectadores a participar de cierta forma de  voyeurismo, empleaba encuadres para provocar ansiedad, miedo o empatía y desarrolló una novedosa forma de montaje fílmico.​ Sus historias a menudo están protagonizadas por fugitivos de la ley y sus actrices protagonistas suelen ser de pelo rubio. Muchos de sus filmes presentan giros argumentales
 en el desenlace y tramas perturbadoras que se mueven en torno a la violencia, los asesinatos y el crimen. Con frecuencia, los misterios que articulan las tramas no son más que señuelos (Macguffin, como los llamó el propio director) que sirven para hacer avanzar la historia pero no tienen mayor importancia en el argumento. Las películas de Hitchcock también abordan a menudo temas del psicoanálisis y tienen marcadas connotaciones sexuales. Gracias a los  cameos en muchos de sus filmes, las entrevistas, los avances publicitarios de sus películas y el programa de televisión Alfred Hitchcock Presenta, el cineasta se convirtió en un icono cultural.
Hitchcock dirigió más de cincuenta películas a lo largo de seis décadas. Reconocido a menudo como el mejor cineasta británico; apareció primero de una encuesta realizada entre los críticos de cine en 2007 por el periódico The Daily Telegraph. El diario lo definió así: «Indudablemente el más grande cineasta nacido en estas islas, Hitchcock hizo más que cual-quier otro director para dar forma al cine moderno, que habría sido completamente diferente sin él». La revista MovieMaker lo ha descrito como el director más influyente de todos los tiempos​ y es ampliamente considerado como uno de los artistas más importantes del séptimo arte.(Sigue leyendo...)



CARY GRANT *

"De él se decía que actuaba bien hasta de espaldas. James Bond se inspira parcialmente en él. La lista del American Film Institute, lo considera la segunda estrella masculina más importante de los primeros cien años del cine estadounidense"

Cary Grant (nacido Archibald Alexander Leach, 18 enero  1904-Davenport,  29  noviembre  1986)  actor  británicoLlegó a ser uno de los actores de Hollywood más populares durante décadas, por su atractivo físico, por su elegancia, su encanto y su agudeza. 
De él se decía que actuaba bien hasta de espaldas.​Trabajó con muchas grandes divas del cine de Hollywood de su época: Marlene Dietrich, Mae West,  Grace Kelly, Marilyn Monroe, Rita Hayworth,  Katharine Hepburn, Sophia Loren, Joan Fontaine, Ingrid Bergman, Ginger Rogers,  Doris Day, Deborah Kerr y Audrey Hepburn entre otras. 
El personaje de James Bond se inspira parcialmente en él. Según la lista del American Film Institute, está considerado la segunda estrella masculina más importante de los primeros cien años del cine estadounidenseGrant protagonizó algunos clásicos de la comedia de enredo, como Historias de Filadelfia (1940) y La fiera de mi niña (1938), ambas junto a Katharine Hepburn, o Arsénico por compasión (1944). 
El director Alfred Hitchcock, cuyo desapego por los actores era notorio, se entusiasmó con Grant, y le contrató para actuar en cuatro de sus películas: Sospecha (1941; junto a Joan Fontaine), Encadenados (1946; con Ingrid Bergman),  Atrapa a un ladrón (1955; con Grace Kelly) y North by Northwest (1959; junto a Eva Marie Saint), que se convirtieron en clásicos, al igual que otras obras del director.
Aunque fue nominado dos veces para los Óscar, Grant no obtuvo el premio, si bien recibió en 1970 un premio especial de la Academia de Cine en reconocimiento a su carrera. En 1981 le fue concedido el Kennedy Center Honors en reconocimiento a su talento y contribución a las artes escénicas.(Sigue leyendo...  



WARRY WHITE *

"La voz del soul, del romance"
Un temazo del inolvidable Barry White, traducido y preparado en homenaje a esa gran voz. Solo Musica, Buena Musica, Videos De Musica, Videos Musicales, Canciones, Musica Romantica En Español, Música Divertida, Musica Del Recuerdo, Musica Variada

Barry White, o El Maestro (Galveston, Texas, 12 septiembre 1944-Los Ángeles, California, 4 julio 2003)  cercano,  compositor,  cantante,  arreglista  y  productor  musical estadounidense de los géneros  disco  R&B y  soul. 

Caracterizado por un timbre bajo, grave y ronco, ganó dos premios Grammy en el 2000 y otros recono-cimientos, como los premios  Soul Train o los American Music. El mayor éxito de White se produjo a partir de 1973, al emerger repentinamente como artista solista, construyendo así un legado que se mantuvo por el resto de la década de 1970, aunque su carrera continuó hasta 1999 con la producción de un total de 20 álbumes de estudio con su nombre. Llegó tres veces al número 1 de las listas Hot 100 en su país, con las canciones que lo hicieron mundialmente famoso: Love's Theme (interpretado por su orquesta, The Love Unlimited Orchestra), Can't Get Enough of Your Love, Babe y You're the First, the Last, My Everything, las dos últimas procedentes del álbum Can't Get Enough, de 1974. 

Debido a una insuficiencia renal crónica, falleció a la edad de 58 años. Barry White logró 106 álbumes de oro y 41 de ellos lograron el estatus de platino. White tuvo 20 sencillos de oro y 10 de platino, con ventas de récord mundial de más de 100 millones de discos, y es uno de los artistas musicales más vendidos de todos los tiempos. Sus influencias incluyeron a James Cleveland, Ray Charles, Aretha Franklin, Elvis Presley, The Supremes, The Four Tops y Marvin Gaye e Isaac Hayes (reconocido por él mismo como influencia).(Sigue leyendo...)




ENRIQUE MORENTE



Enrique Morente Cotelo  (Granada25 diciembre  1942-Madrid13 diciembre 2010)  cantaor español, considerado como uno de los grandes renovadores del flamencoEnrique Morente nació en el barrio de  Albaicín, Granada en 1942. De pequeño ejerció como seise en la Catedral de Granada y comenzó a interesarse por el ambiente flamenco en las reunio-nes familiares y vecinales. Aprendió así las bases de este arte, especialmente de mano de  Aurelio Sellés  (Aurelio de Cádiz). Su afán de aprendizaje y autoa-firmación le llevaron a Madrid  cuando contaba 14 o 15 años de edad. Allí contactó con un grupo de jóve-nes aficionados, universitarios en su mayoría, y junto a ellos acudía casi a diario a locales oscuros en donde aprendió el arte de mano de Pepe de la Matrona, cantaor octogenario que había tenido el honor de conocer a todos los grandes y de haber sido alumno del mismísimo don Antonio Chacón.Enrique el gra-naíno, como se le conocía en los círculos que frecuentaba, consiguió despertar el interés de Matrona, más por su actitud ante las cosas, su respeto y su capacidad para aprender que por su afinación o su registro.El debut de Enrique tiene lugar en la peña flamenca Charlot. A esta actuación siguieron otras allá por el año 1964 en la Casa de Málaga o con la pareja de baile de José Luis Rodríguez y Pepita Sarracena en diversas salas de fiesta, pero debemos considerar su salto a la profe-sionalidad cuando en ese mismo año es contratado por el Ballet de Mariem-ma, con el que actúa en el Pabellón español de la Feria Mundial de Nueva York y en la emba-jada española en Washington.
Después actuó en su primer festival flamenco, con el siguiente cartel: Enrique Morente con  Juan Talega, Fernanda y Bernarda de Utrera, Gaspar de Utrera, Tomás Torre y Antonio Mairena. La presentación fue a cargo de Ricardo Molina y el evento tuvo lugar en el teatro de los Alcázar de los Reyes Cristianos.Al año siguiente fue contratado junto con Susana y José para realizar su primera gira europea por Gran Bretaña, Alemania, Holanda, Suiza y Bélgica; posteriormente viajó a Japón e Italia junto a Pepita Saracena y José Luis Rodríguez.
Fue también contratado en el tablao las Cuevas de Nemesio de Madrid, pero el prestigio de Enrique entre los profesionales flamencos creció considerablemente cuando entró a formar parte del elenco de artistas del Zambra y posteriormente en el tablao Café de Chinitas, mien-tras comenzaba a ser reclamado en festivales y espectáculos donde compartió cartel con todos los grandes artistas del momento. En 1967 obtuvo el Primer Premio del Certamen Málaga Cantaora. (Sigue leyendo...)



GILA

Miguel Gila Cuesta (Madrid, 12 marzo 1919-Barcelona, 13 julio 2001) actorhumorista  y  dibujante de historietas  españolNació en el distrito de Tetuán de Madrid y posterior-mente se crio con sus abuelos en el barrio de Chamberí.​ Huérfano de padre -falleció antes de que él naciera-​ y con dificultades económicas en su hogar, abandonó los estudios a los 13 años.​ Su primer trabajo fue de empa-quetador de café y chocolate, y después, de aprendiz de pintor de coches; de allí, pasó a trabajar a los Talleres Boetticher y Navarro, en donde alcanzó el cuarto grado de aprendiz.​ Compatibilizó sus trabajos con estudios de dibujo lineal en la escuela nocturna de artes y oficios. Al estallar la guerra civil, como militante de las Juventudes Socialistas Unificadas, se alistó como voluntario republicano en julio de 1936 en el Quinto Regimiento de  Líster.  En El Viso de los Pedroches, Córdoba, fue puesto frente a un pelotón de ejecución y logró salvar la vida. El fusilamiento se produjo al anochecer de un día lluvioso y los integrantes del piquete estaban borrachos, por lo que no le acertaron los disparos. Gila se hizo el muerto y logró sobrevivir.​ 

En su libro de memorias Y entonces nací yo: Memorias para desmemoriados (1995) relata así aquel episodio:
  • Nos fusilaron al anochecer; nos fusilaron mal. El piquete de ejecución lo componían un grupo de moros con el estómago lleno de vino, la boca llena de gritos de júbilo y carcajadas, las manos apretando el cuello de las gallinas robadas con el ya mencionado Ábrete Sésamo de los vencedores de batallas. El frío y la lluvia calaba los huesos. Y allí mismo, delante de un pequeño terraplén y sin la formalidad de un fusilamiento, sin esa voz de mando que grita: «¡Apunten!, ¡fuego!», apretaron el gatillo de sus fusiles y caímos unos sobre otros. Catorce saltos grotescos en aquel frío atardecer del mes de diciembre. Las gallinas tuvieron poco tiempo para respirar, el que emplearon los del piquete de ejecución en apretar sus gatillos. Y sobre la tierra empapada por la lluvia, nuestros cuerpos agotados de luchar día a día.        Miguel Gila

Poco después, en diciembre de 1938, fue hecho prisionero en Extremadura y trasladado a un campo de concentración en la localidad cordobesa de Valsequillo. 

  • Creó -es decir, estoy seguro- que mi identidad política terminó en diciembre del año 1938, en el frente de Extremadura, cuando, unos instantes antes de caer prisionero en manos de los moros de la 13.ª División del general Yagüe, tuve que romper mi carné de las Juventudes Socialistas; pero la ideología que mamé en mi niñez, en mi casa de gente humilde y en las fábricas o talleres donde trabajé, sigue latente en mí. Lo que van a leer es el testimonio de un hombre que fue joven en una gene-ración en la que el hambre, las humillaciones y los miedos eran los alimentos que nos nutrían.

Miguel Gila(Sigue leyendo...)




FRED ASTAIRE

"Mejor estrella masculina de todos los tiempos" por el American Film Institute.

Frederick Austerlitz,​ más conocido como  Fred Astaire  (Omaha, 10 mayo 1899-Los Ángeles, 22 junio 1987) actor  cantante, coreógrafo, bailarín de teatro y cine, y  presentador de tv  estadounidense. Considerado como el mejor bailarín del siglo XX, y está generalmente reco-nocido  como uno de los bailarines más influyentes en la historia de los musicales de cine y televisión. Fue nombrado  la quinta «mejor estrella masculina de todos los tiempos» por el  American Film Institute.  Balanchine  y  Nureyev le consideraron el mejor bailarín de la historia. ​ Su carrera teatral y su posterior carrera cinematográfica abarcó un total de setenta y seis años, en los que intervino en 31 películas musicales. Formó una de las mejores parejas de baile de la historia del cine con Ginger Rogers, con quien rodó diez películas que revolucionaron el género.

Su padre, Frederic «Fritz» Austerlitz, nacido en Austria y de religión católica, emigró a Estados Unidos; su madre era nacida en EEUU de padres alemanes de confesión  luterana. Astaire se convirtió, junto a su hermana, a la confesión de la Iglesia episcopal en Estados Unidos en 1912. Fred y su hermana Adele tomaron el apellido Astaire para su actuación en un vodevil, en 1905. Una leyenda familiar lo atribuye a un tío apellidado L'Astaire.​ La carrera de la pareja en el mundo del espectáculo continuó, con una mezcla de éxitos y algunas interrupciones para evitar problemas con las leyes de trabajo infantil de la época. En 1917 se presentaron en Broadway con Over The Top, algunas fuentes afirman que los hermanos Astaire aparecieron en una película de 1915 titulada Fanchon, the Cricket, protagonizada por Mary Pickford, pero esto no está corroborado. Fred Astaire conoció a  George Gershwin, que estaba trabajando como song plugger en la editora musical de Jerome H. Remick, y en 1916 empe-zaron una amistad que iba a afectar profundamente las carreras de ambos artistas.

Durante los años veinte, Fred y Adele actuaron en Broadway y en distintos teatros de  Londres en espectáculos como Lady Be GoodFunny Face y The Band Wagon, ganándose la aclamación del público a ambos lados del Atlántico. Hicieron varias grabaciones en equipo. La pareja se disolvió en 1932, cuando Adele contrajo matrimonio con Charles Cavendish, hijo del duque de Devonshire. Fred continuó trabajando con gran éxito en Broadway y en Londres con The Gay Divorcee (La alegre divorciada), mientras sopesaba algunas ofertas de Hollywood. Según la leyenda de Hollywood, en un informe de una prueba cinematográfica de Astaire con RKO Pictures, se decía: «No sabe cantar. No sabe actuar. Con entradas. Sabe bailar un poco». El productor de películas de Astaire-Rogers Pandro S. Berman afirmó que él nunca lo había dicho en los años treinta y que solo salió a la luz años más tarde. Astaire, en una entrevista de 1980 en el programa 20/20 de ABC con Barbara Walters, insistió en que en el informe ponía realmente: «No sabe actuar. Ligeramente calvo. También baila». No obstante, la prueba fue claramente decepcionante y en una libreta del estudio de 1933 David O. Selznick, que había contratado a Astaire en RKO y se había encargado de la prueba, la describió como "espantosa". En cualquier caso, el informe de la prueba no afectó a los planes de la RKO para Astaire, primero cediéndolo durante unos días a MGM en 1933 para su debut en Hollywood, donde apareció como él mismo, bailando con Joan Crawford en la exitosa película musical Dancing Lady (Alma de bailarina).  (Sigue leyendo...)



ANTHONI QUINN *

Antonio Rodolfo Quinn Oaxaca  (Chihuahua 21 abril  1915 - Boston; 3 junio 2001), conocido como  Anthony Quinn. Actor, escultor y pintor mexico estado-unidense. Nacido en México, hijo de  madre mexicana y padre irlandés-mexicano de primera generación, era conocido por su interpretación de perso-najes terrenales y apasionados «marcados por una virilidad brutal y elemental» en numerosas películas aclamadas por la crítica tanto en Hollywood como en el extranjero.​ Entre sus trabajos más notables se incluyen La strada (1954), Los cañones de Nava-ron (1961), Barrabás (1961), Lawrence de Arabia  (1962), Los cañones de San Sebastián  (1968), Las sandalias del pescador (1968), Across 110th Street  (1972), El mensaje (1976), El león del desierto (1980)  Jungle Fever (1991) y Seven Servants (1996). Adicionalmente, por su protagónico en Zorba, el griego, fue nominado a un premio Oscar.

Quinn ganó el Óscar al mejor actor de reparto en dos ocasiones: la primera en 1952 por ¡Viva Zapata!, y la segunda en 1956 por Lust for Life. Además, recibió dos nominaciones al premio Óscar en la categoría a  mejor actor, junto con cinco nominaciones al Globo de Oro, y dos nominaciones al Premio BAFTA. En 1987, se le otorgó el Globo de Oro honorífico Premio Cecil B. DeMille. Tanto a través de sus esfuerzos artísticos como de su activismo por los derechos civiles, sigue siendo una figura fundamental de la representación de los latinoamericanos en la cultura y los nedios de comunicación de los Estados Unidos.  Manuel Antonio Rodolfo Quinn Oaxaca nació el 21 de abril de 1915 en Chihuahua, México en un momento en el que país se encontraba sumido en una revolución política y social; los hacendados, caciques y terratenientes controlaban la mayor parte de las tierras fértiles de México mientras que los peones que laboraban en las haciendas en una especie de semiesclavitud se morían de hambre. Se formaron ejércitos revo-lucionarios a los que se incorporaron peones de las haciendas, obreros y campesinos, quienes recurrieron a los caudillos Emiliano Zapata y Pancho Villa para recuperar sus tierras. Según el actor, sus padres fueron Francisco Quinn, de origen irlandés, y Manuela Oaxaca, mexicana descendiente de aztecas. Su padre había participado en la Revolución mexicana en la que com-batió al dictador Victoriano Huerta al lado de Pancho Villa, y allí conoció a la que sería su madre.  (Sigue leyendo...)



GENE KELLY

Eugene Curran Kelly  (Pittsburgh,   23 agosto 1912 – Beverly Hills2 febrero  1996): Conocido como   Gene Kelly, actorcantante,   bailaríndirector y   coreógrafo  estadounidense. Gene Kelly nació en uno de los barrios más humildes de  Pittsburgh,  Pensilvania en el seno de una familia obrera. Su padre era vendedor de fonógrafos y su madre, Harriet, fue la encargada de hacer que Gene y sus hermanos se interesaran por el mundo de la danza. Fue ella quien propulsó la formación del grupo   The Five Kellys, compuesto por los cinco hermanos. Tras desha- cerse el grupo, él y su hermano Fred continuaron bailando y preparando enérgicas coreografías bajo el nombre de The Kelly BrothersDurante la depresión económica de 1929 que sacude a EEUU y mientras acababa sus estudios universitarios (se licenció en Económicas en 1933), Kelly comenzó a trabajar en diversos oficios para ayudar a sacar adelante a su familia. Finalmente, y como negocio familiar, inauguran una primera academia de baile en Pittsburgh y después una segunda en Johnstown, en las que Kelly trabaja como codirector y profesor de baile. Cuando las academias empiezan a funcionar, él cree llegado el momento de viajar a Nueva York e intentar encontrar trabajo como coreógrafo.  
Así, en sus comienzos y con la firme decisión de convertirse en una figura del baile, Gene viaja a Nueva York y en poco tiempo consigue un gran éxito en Broadway protagonizando el musical Pal Joey (1940), en el que conoció a un bailarín del coro, Stanley Donen. Kelly reconoció en él importantes cualidades técnicas y le ofreció trabajar para él como ayudante. Con esta obra llamó la atención del famoso productor David O. Selznick y del presidente de la MGM Louis B. Mayer. Selznick le ofrece un contrato para trabajar en Hollywood, en donde se instala un año más tarde junto a su mujer Betsy Blair. Desafortunadamente, Selznick no estaba interesado en producir musicales y pensó que Kelly podría convertirse en un gran actor dramático, dejando de lado su carrera de bailarín. Sin embargo, Gene no estaba muy entusiasmado con la idea, por lo que recibió con agrado una oferta de la Metro-Goldwyn Mayer  (MGM) para protagonizar junto a Judy Garland la encantadora Por mi chica y por mí, diri-gidos por el coreógrafo y director Busby Berkeley (La calle 42). La película en la que se ponía de manifiesto una química entre los dos protagonistas recibió muy buenas críticas, e hizo que Gene se convirtiera en el centro de atención de Hollywood.       (Sigue leyendo...)



MARCELINO CAMACHO


Marcelino Camacho Abad (La Rosa 21 enero 1918-Madrid29 octubre   2010) destacado  sindicalista  político español. Fue fundador y primer secretario general de Comisiones Obreras (CCOO) entre 1976 y 1987, y  diputado comunista por Madrid  entre 1977 y 1981.  El 2 de febrero de 1935 se afilió al Partido Comu-nista de España (PCE) y posteriormente a la Unión General de Trabajadores, a la que también perteneció su padre, guardagujas en la Estación de Osma-La Rasa​ (Soria). 
Tras el golpe de Estado militar, junto a otros ferroviarios cortó las vías del tren para impedir el avance franquista. Cruzó andando la sierra madrileña para unirse al bando republicano en el que luchó durante la Guerra Civil Española (1936-39). En los últimos días de la guerra fue encarcelado por la Junta de Casado (Gobierno que pactó la entrega de Madrid a Franco). Se escapó, estuvo unos meses en la clandestinidad y fue denunciado por alguien que le reconoció. Fue juzgado por ir voluntario a defender la República y condenado a trabajos forzados en diferentes campos, para terminar finalmente en Tánger.  En 1944 se fuga del campo y se marcha al exilio a  Orán  (Argelia). 
Al pasar la frontera del entonces Marruecos francés, fue detenido por la policía francesa y conducido a Orán, una ciudad que entonces tenía una enorme colonia de inmigrantes españoles. Algunos se encontraban desde antes de los años treinta desplazados por motivos económicos y otros eran refugiados políticos republicanos emigrados tras la guerra civil (los últimos barcos con exiliados republicanos salidos del puerto de Alicante días antes del fin de la guerra se dirigirían precisamente a esta ciudad). Entre los exiliados que reclama-ron y consiguieron su libertad estaba Josefina Samper  (Fondón, Almería, 1927-Madrid, 2018), con la que se casaría el 22 de diciembre de 1948. (Sigue leyendo...)

FRANCISCO UMBRAL

Francisco Alejandro Pérez Martínez, más conocido como  Francisco Umbral (Madrid11 mayo 1932​-Boadilla del Monte28 agosto 2007).
Poetaperiodista,  novelistabiógrafo y ensayista español.
Fruto de la relación entre Alejandro Urrutia, un abogado cordobés padre del poeta Leopoldo de Luis, y su secretaria, Ana María Pérez Martínez,​ nació en el hospital benéfico de la Maternidad, entonces situado en la calle de Mesón de Paredes, en el barrio de Lava- piés, como acreditó la profesora Anna Caballé en su biografía Francisco Umbral. El frío de una vida.​ Su madre residía en Valladolid, pero se desplazó hasta Madrid para dar a luz con el fin de evitar las habladurías, ya que era madre soltera. 

El desapego y distanciamiento de su madre respecto a él habría de marcar su dolorida sensi-bilidad. Pasó sus primeros cinco años en la localidad vallisoletana de Laguna de Duero y fue muy tardíamente escolarizado, según se dice por su mala salud, cuando ya contaba diez años; no terminó la educación general porque ello exigía presentar su partida de nacimiento y desvelar su origen. El niño era sin embargo un lector compulsivo y autodidacta de todo tipo de literatura, y empezó a trabajar a los catorce años como botones en un banco. En Valladolid  comenzó a escribir en la revista Cisne, del SEU, y asistió a lecturas de poemas y conferencias. Emprendió su carrera periodística en 1958 en El Norte de Castilla  promocionado por Miguel Delibes, quien se dio cuenta de su talento para la escritura. Más tarde se traslada a León para trabajar en la emisora La Voz de León y en el diario Proa y colaborar en El Diario de León. Por entonces sus lecturas son sobre todo poesía, en especial Juan Ramón Jiménez y poetas de la generación del 27, pero también Valle-Inclán, Ramón Gómez de la Serna y Pablo Neruda. El 8 de septiembre de 1959 se casó con María España Suárez Garrido, posteriormente fotógrafa de El País, y ambos tuvieron un hijo en 1968, Francisco Pérez Suárez «Pincho», que falleció con tan solo seis años de leucemia, hecho del que nació su libro más lírico, dolido y personal:   Mortal y rosa (1975).​ Eso inculcó en el autor un carac-terístico talante amargo y envarado, absolutamente entregado a la escritura, que le suscitó no pocas polémicas y enemistades. (Sigue leyendo...)